Большой зал :
с 8 до 30 января, вернисаж в 16.00
Арандус
(Черногория/Германия)
"Двойная строчка"
живопись, см.техника.
Куратор - Виктор Попов
с 8 до 30 января, вернисаж в 16.00
Виктор Андреев
"Пути абстракции"
живопись
Музейный флигель
с 8 до 30 января, вернисаж в 16.30
Русско-немецкий интерактивный проект молодых художников
"SieОни".
Германия: фото - Хейко Краузе; инсталляция, графика - Елена Козлова; графика - Констанция Фрике; живопись, графика - Ирис Фитцтум.
Россия: арт-дизайн - Любовь Шапиро; живопись- Вероника Новикова; арт-керамика - Анастасия Елисеева; арт-дизайн -Екатерина Ежкова.
Координаторы проекта - Кристоф и Екатерина Вайс.
Большой зал
с 5 до 27 февраля, вернисаж в 16.00
Из собрания Музея: выставка новых поступлений (живопись,
объекты, графика, коллаж)
2003-2004 гг.
Куратор - Евгений Орлов
Музейный флигель
с 28 февраля, открытие в 16.00
Заслуженный художник России - Виталий Тюленев:
живопись, графика.
Куратор - И. Н. Тюленева
Виталий Иванович Тюленев (1937 – 1997 гг.) входит в число лучших живописцев России. Его творческое наследие находится в 42 музеях бывшего Советского Союза, в том числе: 22 работы – в Государственном русском музее (Санкт-Петербург), 5 – в Третьяковской галерее (Москва), а также в ЦВЗ «Манеж» (СПб), Музее Людвига (Кельн, Германия), галереях Великобритании, Франции, даже – Китая, в частных собраниях России и зарубежья.
Глядя на его работы трудно представить, что он никогда не принадлежал к числу легендарных «независимых» (или «неофициальных») художников «Газаневской» культуры Ленинграда 70-х годов, так же, как и «коллегам по цеху» – а был Виталий Иванович представителем «академической» школы – невозможно поверить ни в то, ни в другое.
Творческая манера В. И. Тюленева, часто определяемая как «изобразительные стихи», – была столь своеобразна, что даже входила в некоторое логическое противоречие с фактами личной биографии.
Де юре – обычная биография представителя ленинградской академической школы:
сначала – выпускник СХШ, затем – Академии художеств им. Е. И. Репина (шесть лет ученичества в мастерской Евсея Моисеенко, после которой был оставлен в ординатуре – в мастерской Виктора Михайловича Орешникова). Участник городских, зональных, республиканских, всесоюзных, международных и зарубежных выставок, член Союза Художников, преподаватель Академии художеств им. Е. И. Репина, член правления Союза художников СССР.
Де факто
Академия второй половины пятидесятых значительно отличалась от довоенной Академии. Два мощных потока поочередно смыли присущей ей глянец. Конструктивисты основательно потрудились по уничтожению старой академической школы вместе с ее античными слепками, привнеся дух бунтарства, а пришедшие им на смену продолжатели реалистического искусства завершили их дело, сметя со своего пути конструктивизм и отправив в ссылку его идеолога – Пунина, а заодно и разметав перспективную методику. Поэтому в рассматриваемый период чувствовалось некое расслабление, усталость от борьбы, позволявшая студентам искать свое творческое лицо без оглядки на старшего. К тому же, мастерская Евсея Моисеенко славилась своей демократичностью и достаточной свободой для творчества. Другой учитель В.И.Тюленева – Орешников, воспитанный на традициях русской реалистической школы, при всей своей « мастеровитости», не мог повлиять на творчество ученика (хотя в искусстве – трудно определить наличие или отсутствие влияния, поскольку иногда даже отрицание становится определяющим фактором для появления нового).
Таким образом, не вопреки, а благодаря фундаментальному образованию – свободное владение ремеслом «развязывало руки», сформировались неповторимая творческая индивидуальность и художественный стиль В. И. Тюленева, явилась легкость преодоления черты, где, как полагали, владения живописи едва ли могут простираться. Для художника главным был замысел картины, а она уже сама подбирала себе изобразительную систему – язык: от традиционного реализма до символизма, ассоциативных приемов, гиперболы, метафоры.
Особенностью творческой манеры В.И.Тюленева является проявление родства живописи и поэзии: законы сопоставления предметов на его полотне диктуются поэтической мыслью, использующей эмоционально-смысловые ассоциации в качестве своего конструктивного принципа. Поэтому многие картины подчас подобны лирическому стихотворению.
Проблема сочетания изображений друг с другом, следуя контексту образов в сознании, решалась художником совмещением на холсте объектов, не «встречающихся» друг с другом в мгновенном восприятии: разделенных временем, местоположением или показанных с различных точек отсчета, в разных масштабных измерениях. Это позволяло вносить в отношения предметного мира коррективы духовных значимостей.
Эпилог:
Еще за три года до легендарных выставок «независимых» или «неофициальных» художников в ДК им. Газа и «Невском» – еще в 1972 году открылась «Выставка Одиннадцати», одним из которых, как раз, и был Виталий Иванович. Она – эта выставка – по рассказам современников – неожиданным образом повлияла не только на зрителей и художников, но и на русское искусство в целом (дала возможность не только выйти из подполья тому, что зрело в шестидесятые годы в мастерских и не соответствовало официальным установкам художественной цензуры, но изменила, как говорят, саму цензуру, отчасти сломав ее ортодоксальность.
К сожалению, на эту выставку критика отреагировала, в основном, отрицательно, фундаментальных публикаций, позволяющих сегодня восстановить события в точности и последовательности, не было, что позже привело к забвению.
Но Виталия Ивановича тут все же заметили, причем не только в хорошем смысле этого слова. После выставки против его фамилии была поставлены «галочка», уже сопровождавшая его как неотъемлемая часть фамилии до последних лет. Дальше – заработала партийная машина как обычно: о нем заговорили, но не зрители, а в обкоме, горкоме.
Итогом стало обвинение "в формализме" и, как следствие, – увольнение с преподавательской работы в Академии художеств.
Что было дальше? Перестройка, и, конечно же, – награждение серебряной медалью Академии Художеств России в 1996 г., Виталий Иванович же – все дальше шел творческой тропой, ни на кого не оглядываясь, – «свой, как говорится, среди чужих, чужой – среди своих».
Большой зал
с 5 до 27 марта, вернисаж в 16.00
Из собрания Музея: выставка новых поступлений,
часть 2 , 2003-2004 гг. (графика, фотография, инсталляция, объекты, репортажная фотография Фестиваля Независимого Искусства / ЦВЗ "Манеж", 2004 г.).
Куратор - Евгений Орлов.
до 27 марта
Заслуженный художник России - Виталий Тюленев:
живопись, графика.
Куратор - И. Н. Тюленева.
со 2 до 24 апреля, вернисаж в 16.00
К 60-ЛЕТИЮ ПОБЕДЫ В ВЕЛИКОЙ ОТЕЧЕСТВЕННОЙ ВОЙНЕ:
"Александр Невский и русские святые в пространстве современного искусства",
живопись, графика, инсталляция, кино.
Куратор - Евгений Орлов.
Историческая тема в изобразительном искусстве ХХI века встречается не так уж часто, поскольку современное искусство все больше демонстрирует достижения новых технологий, художественных техник либо приемов. Данная выставка является иллюстрацией способности современных художников к работе с историческими фактами и материалами, которые оставили нам предыдущие поколения, а также – адекватно реагировать на вопросы, постоянно задаваемые нам историей.
Выставка воссоздает времена героического прошлого Руси и объединяет их с современностью, и этим она посвящена 60-летию Победы. Неслучайно во время Великой Отечественной войны высший орден, присуждавшийся советским военачальникам за крупные войсковые операции, был орденом Александра Невского – небесного покровителя Санкт-Петербурга.
На выставке представлены произведения А. Чежина, Ю. Никифорова, Г. Манжаева, Е. Орлова, С. Ковальского, Б. Гадаевой, Г. Зубкова, С. Цверкуновой, Е. Александрова, С. Спицина, В. Козина, Н. Сычева, А. Кожина и Ю. Рыбакова.
со 2 до 24 апреля, открытие в 16.30
Персональная выставка Сергея Симкина
"Пространство и инструменты",
живопись.
Куратор - Евгений Орлов.
с 7 до 29 мая, вернисаж в 16.00
Персональная выставка Арона Зинштейна
"Свобода. Движение. Живопись".
Куратор - Евгений Орлов.
- «Вот однажды один человек пошел на службу да по дороге
встретил другого человека, который, купив польский батон,
направлялся себе восвояси. Вот, собственно, и все.»
Даниил Хармс, «Случаи»
Вот, собственно и все, поскольку, соприкоснувшись в единственной точке – моменте или эпизоде, творчество Даниила Хармса и Арона Зинштейна – каждое – уже дальше идет своим путем. Нет у Зинштейна ни ожесточения, ни «зловещей антилогики», ни «хармсовской иррациональности». Его философия – радости, а не боли, надежды, а не отчаяния. Свобода, импровизация, бескорыстное отношение к искусству – являются ключевыми категориями образного мира художника. Однако, некоторые обэриутские интонации в живописи Зинштейна, несомненно, присутствуют: в интересе к типажу городского обывателя, в веселом абсурде изображенных ситуаций, в общей эксцентричности пластической речи, в игровой характерности образов. Зинштейн словно желает запечатлеть «сплошной поток жизни», составляя из отдельных фрагментов (картин) безостановочно движущуюся ленту человеческого бытия. Поэтому картин так много. В идеале – ни одно мгновение жизни не должно остаться незамеченным. Можно даже сказать, что Зинштейн занимается «моментальной живописью», настолько остро впечатление сиюминутности и непреднамеренности.
Сюжет – случай – Зинштейн усиливает соответственными пластическими средствами. Он любит «случайную» композицию – фигуры не полностью «попадают» в кадр, изображение сдвигается в край, люди сидят спиной или боком. Цвет едва успевает обрести нужную форму и не всегда укладывается в «прыгающий» контур, торопливая кисть учащает ритм мазков, оставляя потеки свободной краски. В гуашах последнего времени "случайность" живет в самой неправильной форме листа, словно попавшегося под руку, с зазубренными или оборванными кромками.
В типологическом плане искусство Зинштейна, без сомнения, соотносится с широкой – сквозной для всего ХХ века – экспрессионистической тенденцией. Это: приоритет выразительности над изобразительностью, активная деформация реальности, стремление к острой характерности пластической интерпретации натуры, безудержное воображение, «громкая», стихийная, «темповая», спонтанная живопись, стремительный, вибрирующий мазок, форсированный, эмоционально заряженный цвет, предельная искренность и открытость авторской интонации.
В буклетах и каталогах биография Арона Зинштейна выглядит вполне благополучной: училище в Нижнем Тагиле, ЛВХПУ им.В.И.Мухиной, членство в Союзе художников, внушительный список выставок – городских, всесоюзных, международных, групповых, персональных.
Но не все и всегда так гладко происходило в жизни Арона Зинштейна, как часто оно выглядит на бумаге. Много лет подряд он зачем-то пытался пополнить ряды члены ЛОСХа, устраивал выставки и с радостью демонстрировал свои картины «старшим по цеху» товарищам. И все эти годы слышал одно и то же: «А отчего же это, батюшка, у Вашей коровы тени-то нет?». Вопрос этот стал для Арона Зинштейна роковым: на него так и не случилось ответить.
(В тексте использована статья И. Н. Карасик,
доктора искусствоведения, сотрудника отдела
Новейших течений Государственного русского музея.)
14 мая в 17.00
Поэтический вечер с участием Аллы Михалевич, Давида Раскина, Алексея Пурина, Валерия Черешни.
Музейный флигель
с 7 до 29 мая, открытие в 16.30
Проект "Цифровой сериал",
графика, живопись.
Авторы: Афанасий Пуд, Юлий Рыбаков, Сергей Сергеев, Сергей Ковальский, Николай Богомолов. Куратор - Афанасий Пуд.
Это – вторая выставка «станковой» компьютерной графики на «Пушкинской-10». Очевидно, что этот новый вид искусства завоевывает все более прочные позиции, растет круг традиционных художников, использующих компьютер в своем творчестве. Представлены работы пяти авторов, каждый из которых имеет свой собственный подход к созданию цифровых картин. Это во многом определяется огромными возможностями, предоставляемыми художнику новым инструментом. Одна из таких возможностей – неоднократное использование наработанного материала – буквально заставляет автора создавать серии работ. Объединять работы в серию могут формальные приемы, общая идея, что зритель и может увидеть на выставке. Высказывания художников, связанные с их видением проблем и возможностей компьютерной графики дополнят общую картину, которая представлена публике.
К примеру, Афанасий Пуд: «На моем компьютере есть 16581375 цветов. Я использую каждый. Интересно получается, если использовать только четные цвета. Непередаваемый словами эффект сингулярной интерференции дает применение цветов с номерами, кратными дате моего рождения. Это все первое. Второе. Чем больше нарисуешь – тем лучше. А если удается расположить пиксели в нужном порядке – то это повезло, создал произведение искусства. Возможных комбинаций очень много, поэтому испытываю трудности с выбором. Как всегда, выручают газеты».
с 4 до 19 июня, вернисаж в 16.00
Выставка художников Школы "Храмовая Стена". Руководитель направления - Юрий Нашивочников вместе с учениками представляет работы разных лет (живопись, графика, объект).
В выставке принимают участие: Ю. А. Нашивочников, Дмитрий Маркуль, Александр Визиряко, Владимир Гарде, Светлана Московская, Михаил Клеванный, Александр Конанчук, Ольга Панова, Станислав Воронко, Лариса Павлова.
Идейную платформу Школы «Храмовая Стена» составляют традиции Школы Сидлина, получившие развитие в педагогической деятельности Ю. А. Нашивочникова, который с 1976-го года был руководителем художественной студии при ДК им. Шелгунова.
Концепция Школы заключается в том, чтобы с помощью определенных приемов и средств довести любой, в иных случаях даже абстрактный сюжет, до уровня храмовой росписи. Для этого художники используют разные приемы: светлую гамму красок; не загруженность холста, доведенную до незакрашенности значительных площадей белоснежного грунта предельно неукрывистыми колерами; проявление стены и ее картинной плоскости и др.
Монументальные произведения живописи Школы «Храмовая Стена» могут существовать не только в виде настенной живописи, проявляя в них стену и ее картинную плоскость, но и на «нереальной» стене, т. е. в образе станковой картины, проявляя в ней стену и ее картинную плоскость.
Автор направления – Юрий Алексеевич Нашивочников – художник, педагог, прошел не только Школу выдающегося живописца и педагога О. А. Сидлина (1936 г. – 1972 г.), но и Школу величайшего скульптора А. Т. Матвеева, когда учился в 1945 – 51 годах в институте им. Репина на скульптурном факультете.
«...Юрий Алексеевич Нашивочников, старейший член группы, ученик Сидлина и учитель младших своих коллег, унаследовал способность к созданию полотен, где царствует светлая ясность мысли, где кажущийся сначала приглушенным цвет сгущен до взрывной, грозной силы, где царственный композиционный покой странно сочетается с этим подспудным напряжением, «гудением холста», с той окончательностью художественного процесса, когда, говоря словами де Сент-Экзюпери, от произведения уже нечего больше отнять. <...> Устремленность к масштабной, уравновешенной и значительной живописи, свойственная Нашивочникову, естественным образом входит в художественную программу «Школы «Храмовая стена»». Храмовая роспись (речь не о месте, о качестве!) – эталон одухотворенного артистизма и принципиальная цель группы. И в этом смысле «монументальная философичность» и Сидлина, и Нашивочникова служит камертоном для искусства более молодых участников Школы.»
Михаил ГЕРМАН
профессор, доктор искусствоведения,
Академик Академии Гуманитарных наук,
член Международной Ассоциации Художественных критиков (AICA),
главный научный сотрудник Государственного Русского музея
с 25 июня до 24 июля, вернисаж в 16.00
«Праздник дома» – Фестиваль Арт-Центра «Пушкинская-10».
с 4 до 19 июня, открытие в 16.30
Михаил Дашевский (Москва).
"Затонувшее время",
1962 - 1992 гг., ч/б фотография.
Куратор - Андрей Чежин.
с 25 июня до 24 июля, открытие в 16.30
Персональная выставка Виктора R. (Дюссельдорф, Германия) "FIGUSTRAKT", живопись.
Загадочный художник Viktor R. родился в Кельне в 1941 г. Живет в Дюссельдорфе, а работает преимущественно на Ибице.
Остаться неповторимым в Дюссельдорфе – сложно. И причина тому – город: это – как наш Санкт-Петербург, так и притягивающий художников со всех сторон света, да и по процентному соотношению художников на душу населения они вполне сопоставимы.
Большинству россиян Дюссельдорф известен как колыбель «диких», но на самом деле, теперь там есть все. Недавно Музей нонконформистского искусства представлял творчество другого «дюссельдорфца» – из Черногории – АРАНДУСА – художника тоже сильного, яркого, запоминающегося, но по-другому.
Но, поскольку Дюссельдорф все же меньше Петербурга, то нетрудно понять, что жить художнику среди одних только гениев и не потерять индивидуальности – трудно.
Узнаваемость и уникальность Виктора R. – в широком диапазоне стилистических приемов, которыми он владеет в совершенстве – от полностью предметной или строго абстрактной живописи до перформанса. Но, не останавливаясь на одном из стилей, художник делается неуловим, недосягаем для ярлыков и определений.
Viktor R. постоянно экспериментирует в открытом им наслоении предметных (фигуративных) и абстрактных форм. Такому художественному методу он дал название "Figustrakt", которое явилось названием нового проекта 2005 г. – цикла выставок, первая из которых уже открылась в Венеции (Биеннале в Spazio Thetis des Arsenals, июнь), потом – Санкт-Петербург – Музей нонконформистского искусства (июнь-июль), затем – Москва и Вена.
Будучи неуловимым, художник оставляет все же пространство зрителю – место для сотворчества – в поиске живописных путей к мистическим и мифологическим мирам, архаическим образам, формам, которые остаются жить в памяти зрителя так же, как и сам Виктор R., его мир, его творчество.
www.viktor-r.com
до 24 июля
Экспозиция Фестиваля современного искусства Арт-Центра.
Музейный флигель, 2 этаж
до 24 июля
Персональная выставка Виктора R. (Дюссельдорф, Германия) "FIGUSTRAKT", живопись.
Большой зал
с 10 сентября до 16 октября, вернисаж в 16.00
Персональная выставка Сергея Лаушкина (Екатеринбург), живопись.
Куратор - Евгений Орлов.
Своеобразие живописного письма уральского художника, по мнению искусствоведов, определяется необычайной степенью его творческой свободы, «отвязной раскрепощенностью перед холстом, колористической интенсивностью палитры, рождающих стабильное чувство страсти».
При этом пожелание самому себе художник формулирует: «не делать ничего лишнего».
Сергей Лаушкин родился в 1953 году в селе Преображенка Оренбургской области в семье сельского интеллигента. В 1973 году окончил Чебоксарское художественное училище. Выставлялся с 1994 года. В 1996 году стал одним из организаторов «Союза хороших художников». Участник многочисленных групповых и персональных выставок. В 1999 году впервые был представлен в Петербурге в выставочном центре «Невограф». С тех пор приобрел среди избалованной искусством петербургской публики немало ценителей и даже поклонников своего таланта. Кроме того, вызвал постоянный интерес к своему творчеству у петербургских галерей и музеев. В одной только галерее С.П.А.С. с 1999 по 2003 прошли 4 персональные выставки Сергея Лаушкина. В настоящее время продолжает жить и работать в Екатеринбурге.
Главным персонажем живописи уральского художника является цвет. Художник ведет диалог со зрителем на языке колорита. «Работы деликатно доносят до нас образы и мысли, по словам автора, передаваемые лишь посредством цвета». Искусствоведы отмечают присущее ему «редкое природное обладание «абсолютным слухом» на цвет... Четкость, предельная лаконичность работ и образная выверенность полностью подчинены главному в творчестве Лаушкина – цвету».
Несмотря на ярко выраженную экспрессию колорита, по характеру настроения критики ассоциируют живопись Сергея Лаушкина с уютом и защищенностью домашней атмосферы. Возможно, по причине их тематической связи с тем, что входит в понятие «дом». «Дом», который строит Сергей Лаушкин на своих живописных полотнах, «это дом внутреннего равновесия, душевного комфорта и гармонии, но гармонии не как величины, отражающей степень совершенства, а как природного баланса всевозможных критериев бытия, подразумевающего непостоянство, изменение, взаимопроникновение, колебание его составляющих».
Жанровое разнообразие живописи Лаушкина /пейзаж, портрет, натюрморт/ вовсе не разрушает гармоничность и сбалансированность выстраиваемого художником живописного пространства. «Пейзажи Лаушкина плавно перетекают в натюрморты, из которых – в портреты, а те, в свою очередь, – снова в пейзажи, таким образом, соблюдая естественный природный баланс».
Экспозиция с игривым названием «Шампаньоны» представит два разных ряда работ: урбанистические и домашние.
На этот раз пространство «дома» Сергея Лаушкина обещает быть игровым, а атмосфера иронично-игривой.
/В пресс-релизе использованы материалы статей:
Т. Хейккиля «Дом», который строит Лаушкин»;
Марины Сергеевой /предисл. к изданию портфолио Сергея Лаушкина, 2003 г././
с 10 сентября до 16 октября, открытие в 16.30
Андрей Чежин и Людмила Чежина. "Две Венеции", фотография, 1990 - 2004 гг..
Большой зал
до 16 октября
Персональная выставка Сергея Лаушкина (Екатеринбург), живопись.
Куратор - Евгений Орлов
с 22 октября до 20 ноября, вернисаж в 16.00
Выставка Анне Пехконен (Финляндия) и Айне Айверс (Ирландия/Финляндия) "КАМЕННЫЕ РАССКАЗЫ".
Куратор - Евгений Орлов.
АФИША
«Каменные рассказы» – это истории, подчас, состоящие из нескольких внутренних рассказов: о материалах, различных местах, памяти, мыслях и мечтах. Иногда открыть их не так-то просто.
Одни рассказы – тяжелые, другие – красивые. В общем, – разные, но все – зовут, приглашают зрителя отыскать заветную красную нить.
Представленные работы выполнены в разных техниках и из различных материалов. Это – старые вещи, элементы природы, рисунки и фотографии – и у всех – свои истории.
Анне Пехконен (г. р. 1954) – художник многоплановый.
За последние несколько лет она приняла участие во многих художественных проектах в Северной Карелии Финляндии, в городах Ювяскюля, Хельсинки и Петербурге. Последняя ее «широкомасштабная» выставка прошла в залах йоенсууского центра искусств «Ахъо» (2005 г.).
Творчество художника Пехконен выходит за пределы изобразительного искусства, плавно передвигаясь, затрагивает разные сферы и виды художественной деятельности. Пехконен свободно сочетает "коллективное искусство" с дизайном, перформансом или декорацией.
Анне Пехконен рисует, пишет красками, фотографирует, обрабатывает изображения на компьютере, создает скульптуры (часто из переработанных или природных материалов, а зимой – даже из снега), создает произведения в сотрудничестве с другими художниками. Разные техники, используемые художником, дают свободу работать по-разному, открывать себя и находить каждый раз новую, свежую выразительную мощь.
«Я не могу называть себя представителем определенного художественного направления. Мне важно представлять свои мысли и идеи, так или иначе. Через свое творчество я хочу говорить, влиять, жить с другими людьми. Искусство – это один из элементов построения человека.»
Скульптуры и инсталляции художника Пехконен создаются из повседневной жизни, поэтому они понятны даже зрителю, далекому от искусства.
Произведения Пехконен красивы, но они не кричат, а шепчут. Тихая, хрупкая эстетика приглашает зрителя думать, а иногда – просто смотреть и удивляться.
В творчестве художника Пехконен нет никаких ограничений в выборе материалов или сочетании их неожиданным образом, но предпочтение, все же, она отдает старым, заброшенным или сломанным вещам и с нежностью говорит о них:
«Старые, изношенные предметы как будто рассказывают мне свою историю. Я вижу в них возможность новой жизни. Изогнутые железные палки красиво изгибаются. Цвет железного лома, ржавчина, потертая и облупленная краска – они как сама мудрая жизнь. Хочу вознести эти предметы еще раз на пьедестал и показать через них цель жизни. В этом и есть повседневная жизнь – здесь и сейчас. Удары, морщинки – пятна жизни – можно увидеть и как силу, поддерживающую жизнь.»
Искусство стало ее профессией только в 1990-х годах, хотя с детства у Анне была потребность самовыражения. Она занималась всем: от изобразительного искусства – до литературы или танца.
Прежде, чем посвятить себя искусству, Пехконен закончила Политехнический институт, работала физиотерапевтом, сексопатологом и лимфатерапевтом. Таким образом, пришла к выводу, что, терапия играет большую роль в ее искусстве.
«На протяжении моей двадцатилетней карьеры в терапии я выслушивала тысячи рассказов, видела и дотрагивалась до многих тел. Поэтому, когда я теперь рисую или пишу красками, мне несложно представить сокровенный характер человека, его личность.»
Все эти истории, жизни и встречи определили творчество художника. Она очень любит работать совместно с другими людьми, так сказать, коллективные проекты. Однажды повела всех жителей деревни создавать большие скульптуры из сена.
«Я удачлива в своей жизни: у меня была возможность узнать многих старых и мудрых людей, ветеранов войны Кайнуу, упорных женщин, живущих на берегу Южной Финляндии. Мое искусство – это путь, включающий в себя эти встречи и путешествия.»
Анне Пехконен говорит, что естественная жизнь в деревне, тесно связанная с природой, научила ее смирению. Окружающая среда для нее является неиссякаемым источником творчества. Сельская местность и природа дают пространство и силы осуществлять свои идеи.
«Глаза отдыхают на горизонте над лугом, и когда изучаешь природный ритм года, увидишь, как мало человеку возможно «достигнуть» за этот срок.»
Автор текста: Тиа Ваянто.
Айне Айверс (Ирландия/Финляндия).
Мои рабочие процессы...
Материалы: скорлупа, перья, старый металл, кость, цвет, краски...
Сны и слова, зовут меня к изучению природы человеческой хрупкости и силы,
заставляют искать ключ...
Поэзия души, внутренняя динамика опыта, наполнение пустоты и осознание
робости как – одного из видов свободы.
...Непонятные внутренние противоречия создают причудливые узоры жизненного пути...
Визуальный художник Айне Айверс:
- Родилась в 1976 году в Ирландии.
- С 2002 года по настоящее время живет в Финляндии.
-
Смысл участия в проекте «Каменные рассказы» совместно с Анне Пехконен видит в выражении поэзии человеческой души.
... «Вглядываясь в духовный опыт, который обычно трактуется как слабость: страх, стеснение, апатия. Мои работы – выражение путей, рождаемых слабостью: зависть может обернуться мудростью, внутренний страх – привести к самопознанию...»
... «Я беру материалы и образы из повседневной жизни людей и природы: создаю произведения из таких материалов как старые кости, осиные гнезда, а иногда это могут быть металлические объекты.
Цвета выбираю инстинктивно, так же, как и слова и образы. В процессе выражения пытаюсь постичь смысл человеческого существования и его души.»
На вопрос, отчего теперь живет в Финляндии, отвечает: ей предложили прекрасную студию в Финляндии, в лесу. И, хотя в Ирландии с мастерскими – все в порядке, Айне приняла приглашение переехать в лес.
По иронии судьбы через пять дней после переезда в Финляндию, студия в лесу сгорела, вместе со всеми работами Айне, созданными прежде. Пожар Айне восприняла философски – как некую разделительную черту между прошлой жизнью и предстоящей.
www.artpage-pehkonen.net, pehkan@luukku.com, áineivers@hotmail.com.
до 16 октября
Андрей Чежин и Людмила Чежина. "Две Венеции", фотография, 1990 - 2004 гг..
с 22 октября до 20 ноября, вернисаж в 16.30
В рамках фестиваля "ОСЕННИЙ ФОТОМАРАФОН":
Владимир Окулов. "Лица ленинградского андеграунда", фотография, 70-е - 80-е годы.
Куратор - Вальран.
Большой зал
до 20 ноября
Выставка Анне Пехконен (Финляндия) и Айне Айверс (Ирландия/Финляндия) "КАМЕННЫЕ РАССКАЗЫ".
Куратор - Евгений Орлов.
с 26 ноября до 25 декабря, вернисаж в 16.00
Gary Hallman (США), "Premium Glassware", фотография.
Куратор - Андрей Чежин.
Гари Холлман: «Умышленный образ»
«...эти образы являются посредниками между
идеей, временем, техникой, случаем и предвосхищением.»
Гари Холлман, сентябрь 2005
Новая серия цифровых фотографий Гари Холлмана называется «Подарочные стеклянные изделия». Многоплановость этих работ совершенно очевидна: пространство тревожно сдвигается, отражения создают обман зрения, яркие насыщенные цвета соседствуют с серо-стальной гаммой цветов от резко белого до звонко чёрного. То, что с первого взгляда представляется абстрактными узорами, которые лишь оживляют поверхность, на деле оказывается глубоко продуманными изображениями самого Холлмана.
Свои балетные движения художник исполняет на каких-то непонятных структурах. Но при внимательном рассмотрении в них можно узнать изображения виртуальных стеклянных сосудов, изощрённая живописность которых вызывает в памяти барокко. Эти сосуды витают в пространстве, исчезая за пределами картины. Требуется приложить некоторые усилия, чтобы определить, какую сторону сосуда украшают повторяющиеся образы Холлмана: внешнюю, внутреннюю или ту и другую.
Название серии «Подарочные стеклянные изделия» происходит от стаканов, украшенных наклейками животных, людей или абстрактными орнаментами, которые когда-то выдавались на заправочных станциях в подарок за покупку полного бака бензина. А теперь на стекле изображён вездесущий главный персонаж – сам Холлман, то в деловом костюме, то бесстыдно обнажённый – и он повествует зрителю нечто драматическое, причём увиденное под странным углом. На этой зримой сцене в виде стеклянных сосудов необычной формы, Холлман препарирует свои представления о политической жизни, о иерархической структуре большого бизнеса, о современных системах ценностей, о гендере и личности в 21 веке. Работы, густо заполненные образами Холлмана, которые напоминают цепочку вырезанных из бумаги кукол, не являются по своему подходу ни традиционными, ни заумными. Напротив, «Подарочные стеклянные изделия» предстают как образы, с помощью которых Холлман пытается лично для себя разобраться в глубоких и часто абстрактных темах, выступая в роли актёра-исследователя.
Несмотря на то, что каждую работу заполняют исключительно его собственные изображения, они не претендуют на автобиографичность. Просто фигуры Холлмана отражают интеллектуальную и даже психологическую суть его идей, воззрений и показывают различные стороны человеческих переживаний.
Так, например, в «Камуфляже» (2004) ведётся речь о двойственности и неопределённости, столь характерных для современной жизни. Доминирующий образ Холлмана пытается проникнуть в экзотическую растительную среду и стать в ней невидимым. «Самодовольная походка» (2005) сводится к единственному надменному жесту Холлмана, очарованного иерархией большого бизнеса и властью, которая преображает поведение человека. В «Вездесущих законах физики» (2004) лежащие ничком фигуры, в виде красочной массы, безуспешно пытаются освободиться от влекущей вниз силы тяжести. Более экзистенциальные «Заросли» (2003) являются визуально изощрённой и беспощадной метафорой тяжких будней. Необходимость играть множественные роли вынуждает человека продираться сквозь заросли существования.
Для Холлмана серия «Подарочные стеклянные изделия» символизирует иллюзорность границ между воображением человека и диктатом законов физики. Каким бы ни было содержание той или иной работы, каждая из них воплощает идею возможностей и их пределов. «То, что мешает жизни, а именно, свершению дел, так это время, пространство и гравитация, – замечает Холлман. – Законы физики – это реальность, ибо они описывают факты.»
Холлман выбрал стеклянные сосуды как сцену для демонстрации своих идей, потому что они разнообразны по форме и общеупотребительны по назначению. Его также увлекла тысячелетняя история декоративных сосудов с чёрными и красными фигурами по керамике, восходящая к античным временам Греции шестого века до нашей эры. Эта художественная традиция также включает в себя восхитительное итальянское Муранское стекло шестнадцатого века, которое украшалось различными фигурами и орнаментами. Двадцатый век предоставляет множество образцов, среди которых работы в стиле Арт Нуво и Арт Деко французского дизайнера Рене Лалик, а также многочисленные работы современных скандинавских художников, таких как Бертил Валлиен.
Подытоживая, следует сказать, что образы «Подарочных стеклянных изделий» упорядочены, элегантны и значительны. В то же время эта серия полна противоречий: реалистическая форма противопоставляется абстрактной, и цветовая гамма состоит то из одноцветно серых оттенков, то из сочного многоцветья. И хотя каждая работа обращается к фундаментальным темам, в любой из работ темы эти лаконично интерпретируются посредством фигуры Холлмана, его одежды, выражения лица. Основа «Подарочных стеклянных изделий» коренится в фотографии, но в то же время это собрание работ является сочетанием индивидуального видения, стилизованного театрального представления и искусных технических приёмов. Такой синтез человеческого творческого порыва и компьютерных программ для создания трёхмерных изображений предоставил Холлману неисчерпаемые художественные возможности. Говоря словами Холлмана, техника «позволила продемонстрировать то, чего одна лишь фотография сделать не в состоянии, и дала мне возможность стать главным актёром в моих работах».
Мэйсон Риддл
* Мэйсон Риддл живёт в городах близнецах (Миннеаполис и Сэнт Пол). Она пишет об изобразительном искусстве, архитектуре и дизайне. Её рецензии и эссе были опубликованы в «Метрополисе», «Архитектуре Миннесоты», «Журнале скульптуры» и «Артфоруме», а также в других изданиях.
Перевод Михаила Армалинского.
Gary Hallman (Гэри Холлман): Заявление художника. 9/05/05
«Он выражает не только политическую красоту, которая есть выражение вселенского равенства, но также поэтическую красоту, выражение общественной души... которая носит символ постоянного траура на своих худых чёрных плечах» О костюме, из Героизма современной жизни Бодлера.
Двадцать лет назад я был свидетелем небольшой дорожной аварии во Флоренции (Италия). Две машины с водителями-мужчинами остановились в сорока футах друг от друга. Двери распахнулись, водители погрозили друг другу кулаками, обменялись раздражёнными репликами, совершили пробные, а затем агрессивные движения по направлению друг к другу. Когда антагонисты достигли расстояния удара, несколько других мужчин, как будто следуя указаниям хореографа, тихо двинулись из толпы, чтобы удержать их. С мягкими наставлениями два противника были оттянуты друг от друга, возвращены к своим машинам и отправлены в путь. Никто не пострадал. Грация и изящество произошедшего были оперными.
Итальянцы, уезжающие прочь с неуроненным достоинством, сделали видимым то, что я всегда принимал как должное, мужское поведение как универсальное и неизменное, а не сконструированное действие, сформированное сложными, притворными кодами культуры. Годы спустя этот опыт, как и другие, сформировал фон для новой работы, которую я начал в начале 90-х, и в которой использовался компьютер.
Посредничество между воображаемым идеалом с одной стороны и фактами и физикой реальности с другой также придаёт форму моей работе. Меня интересует то, как это эмоциональное и психологическое пространство измеряется постоянно развивающимся состоянием культурных норм и мифологий, и действием корпоративных и иерархических структур, которые мы изобретаем, чтобы организовать нашу экономическую и социальную жизнь. Я использую автопортрет с фигуральным жестом, чтобы ссылаться на психологические состояния через внешность вещей.
Эти предметы были впервые представлены в изображениях из серебряного сплава, созданных в начале – середине 80-х, когда я иногда использовал самого себя в качестве модели в некоторых своих фотографиях. Работа с середины 80-х продолжалась созданием портретов, сконструированных вокруг идеи фигуры в пейзаже, сфотографированной в национальном стиле. По мере роста этой работы она всё больше включала в себя фотографии различных мужчин и групп мужчин. В 1993 году использование компьютера ясно выразило более психологическую и внутреннюю экспрессию в этой работе. Теперь, когда театральным костюмом является деловой костюм, экран компьютера становится авансценой для этой работы, сплавляя чёткую артикуляцию фотографии с текучей пиксельной технологией. То, что я служу главным актёром, предлагает константу, вокруг которой могут быть построены образы, извлечённые из моих наблюдений и опыта в этой культуре.
"Premium Glassware" («Подарочные стеклянные изделия»), самая недавняя работа в этой продолжающейся серии, включает трёхмерное программное обеспечение, чтобы сконструировать другой вид пространства с новыми ассоциациями в произведениях. "Premium Glassware" использует характерные признаки очень знакомого предмета, обычного питьевого стакана или вазы, как дополнительное структурное и оптическое средство, которое объединяет усилия с привнесёнными фотографическими элементами в работе. В этом процессе обычный утилитарный объект становится также культурным и занимает место в нашем современном мире рядом с декорированными сосудами прошлого, которые часто изображали героизм различных времён и культур.
Произведения начинаются со студийных фотографий, модифицированных с помощью цифрового программного обеспечения, которые отображаются на виртуальные стаканы, созданные в трёхмерном программном обеспечении. Затем они превращаются в растровые файлы и печатаются на различных носителях цветными чернилами.
с 26 ноября до 25 декабря, вернисаж в 16.00
Юрий Капацинский, "Эксперимент с пейзажем", живопись.
Куратор – Евгений Орлов.
Капацинский Юрий Владимирович родился в 1948 г. в Узбекистане (г. Фергана), но все его художественное образование и становление связано с Северной столицей:
- Изо-студия ДПШ г. Пушкин (занятия у замечательного педагога – известного художника Мартынова Николая Устиновича).
- СХШ при ЛВХПУ им. В. И. Мухиной.
- ЛВХПУ им. В. И. Мухиной (факультет пром. дизайна).
- Комбинат декоративно-прикладного искусства.
- Член молодежной секции ЛОСХ РСФСР.
- Участие в выставках ЛОСХ РСФСР.
Направление творческого пути Капацинский Ю. В. сменил в 1976 году после знакомства с художником Евгением Орловым. С этого времени начались их совместные творческие поездки по Русскому северу. Результаты этих поездок: серия картин и этюдов, пейзажей Русского Севера, – были показаны на персональной выставке Капацинского в галерее «Тэрсэус» (Стокгольм, Швеция).
С тех пор художник так увлекся духовным созерцанием лично увиденного, раскрытием внутреннего зрения, что к публичным, светским выставкам начисто утратил интерес. Его работы радовали только коллег-единомышленников, а их реакции для него было вполне достаточно.
Его имя редко встречалось в городских афишах, правда, в последнее время Ю. Капацинский все же начал экспонировать свои произведениях на выставках в Арт-Центре «Пушкинская-10».
Настоящая выставка «Эксперимент с пейзажем» – первая персональная выставка Юрия Капацинского в нашем городе. Она является итогом двухлетнего поиска в области пейзажа. Значимость для художника таких мест, как Александро-Свирский монастырь, поселок Дивенская Ленинградской области стала неким творческим импульсом создания серии ассоциативных картин и коллажей.
Реализм картин Юрия Капацинского постепенно уступает место абстрактным движениям и ритмам, обусловленным определенным местом или пейзажем.
Работы, выполненные в акварельной и смешанной технике, – легки и воздушны – самодостаточны и ясны в своей виртуозной технике. Они не требуют словесного разъяснения.
Коллажи – более «сделаны» и напряжены, в них чувствуется усилие воли преодоления материала, но и они так же завершены и гармоничны, как и все остальные работы художника.
Музейный флигель
до 20 ноября
В рамках фестиваля "ОСЕННИЙ ФОТОМАРАФОН":
Владимир Окулов. "Лица ленинградского андеграунда", фотография, 70-е - 80-е годы.
Куратор - Вальран.
Елена Киселёва. "Золотой город", живопись, графика.
ЕЛЕНА КИСЕЛЁВА – график и живописец, член Союза художников России, член обществ экслибриса Санкт-Петербурга и Германии, лауреат международного конкурса «Тиль Уленшпигель», Бельгия.
Член Культурного Объединения Nieder Burgenland – UNESCO, Burgenland, участник Симпозиумов Современного Искусcтва в Вене, Нойзидле, Гольсе, Хальбтурне (Австрия), член Клуба Графики, Grafikens Hus, Мариефред, Швеция.
Работы художника хранятся:
в Музее Ф. М. Достоевского, Санкт-Петербург;
в Российской Национальной Библиотеке, Санкт-Петербург;
в Музее Экслибриса, Москва;
в Музее Истории Санкт-Петербурга;
в Музее Экслибриса, Синт-Никлаас, Бельгия;
в Центре Экслибриса, Бостон, США;
в Арт-Музее, Фредериксхавн, Дания;
в Музее Графики, Брунеск, Италия;
в Музее им. Гуттенберга, Майнц, Германия.
На этой выставке представлены 3 различных направления творчества художника.
«Золотой Город», начатый в Глобальной галерее (Global Gallery) профессора Ника Титца (Австрия), которая работает уже 18 лет под эгидой ЮНЕСКО и объединяет 140 высокопрофессиональных художников из 30 стран мира. Идея цикла это поиск «потерянного рая», земли обетованной, мечта о гармоническом бытии, которая выразились у разных народов в легендах о Невидимом граде Китеже, Гиперборее, Атлантиде.
Этот мир может находиться везде и нигде. Поэтому в проекте существуют как узнаваемые городские мотивы, так и архитектурные фантазии и метаморфозы. Архитектоническая точность конструктивизма сочетается в этой серии с дыханием лирической нереальности нежных, прозрачных цветов.
Экслибрис – это знак принадлежности книги определенному владельцу. Он прошел долгий путь от геральдического знака, герба до художественной миниатюры. В интерпретации Е. Киселёвой экслибрис выражает духовные интересы читателя, увиденные сквозь призму личности автора.
Серия абстрактных работ «Исход» впервые представлена на суд зрителя. Это попытка передать минимумом средств некоторые философские понятия. Немаловажны здесь также поиски выразительности формы и цвета, трансформации плоскости и пространства.
до 25 декабря
Gary Hallman (США), "Premium Glassware", фотография.
Куратор - Андрей Чежин.
до 25 декабря
Юрий Капацинский, "Эксперимент с пейзажем", живопись.
Куратор - Евгений Орлов.
до 11 декабря
Елена Киселёва. "Золотой город", живопись, графика.
с 17 до 25 декабря, открытие в 16.00
Выставка "К 100-летию Даниила Хармса".
Куратор - Глеб Ершов.
